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[매거진M] 춤추듯 사랑하고 노래하듯 꿈꾸는 모두를 위한 도시, 영화 '라라랜드'

뮤지컬영화 ‘라라랜드’(원제 La La Land, 12월 7일 개봉, 다미엔 차젤레 감독)는 21세기에 도착한 ‘고전영화’ 같다. 그것도 아주 특별한 고전영화, 가장 현대적인 고전영화라 할 만하다. ‘라라랜드’는 그 자체로 ‘사랑은 비를 타고’(1952, 진 켈리·스탠리 도넌 감독) ‘셰르부르의 우산’(1964, 자크 드미 감독) 등 1950~1960년대 뮤지컬영화에 대한 오마주이기 때문이다. 시선을 사로잡는 총천연색 영상, 한 번 들으면 저절로 흥얼거리게 되는 노래, 물 흐르듯 유려한 춤까지. 이 영화는 이토록 환상적인 방식으로 미국 LA에서 예술가를 꿈꾸는 배우 미아(엠마 스톤)와 재즈 피아니스트 세바스찬(라이언 고슬링)의 사랑을 담아낸다. 그것도 아주 보편적이고 현실적인 스토리로 말이다. 재즈 드럼에 빠져든 교수와 학생 이야기를 그린 장편 전작 ‘위플래쉬’(2014)로, 제87회 아카데미 시상식에서 3관왕을 차지한 다미엔 차젤레(31) 감독. 그는 ‘라라랜드’에서 영화를 향한 남다른 애정과 야심을 단번에 드러냈다. 마음을 송두리째 앗아갈 황홀한 시간으로의 초대. ‘라라랜드’에 온 것을 환영한다.

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사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마
 
“별들의 도시여, 넌 나만을 위해 반짝이는가. (중략) 난 느꼈어. 당신과 나눈 첫 포옹에서 우리의 꿈이 마침내 이뤄질 거란 예감을.
‘라라랜드’ 수록곡 ‘별들의 도시(City of Stars)’는 이렇게 시작한다. 이 도시는 미국 LA를 지칭한다. 입에 잘 붙는 제목 ‘라라랜드’ 역시 글자 그대로 ‘LA’를 발음한 ‘라’에서 따온 것이다. 그만큼 이 영화는 할리우드가 자리한 도시, 찬란한 LA를 향해 부른 연가(戀歌)로 읽힌다. “LA가 배경으로 등장하는 뮤지컬 로맨스”는 다미엔 차젤레 감독이 이 영화를 구상하며 떠올린 첫 번째 로그라인이었다. 실제로 그가 9년째 살고 있으며 “가장 좋아하는 도시이자 뮤즈”라 칭하는 곳. 미국의 굵직한 영화 제작사가 몰린 이 도시는 수많은 감독·배우·음악가 지망생으로 언제나 북적인다. 차젤레 감독이 바라본 LA는 “예술과 창작을 향한 열정과 꿈이 부서지고 태어나길 반복하는” 곳이다. 극 중 워너브러더스 1층 커피숍에서 웨이트리스로 일하는 미아 역시 배우의 꿈을 안고 할리우드를 찾은 젊은이 중 하나다. “어린 시절 이모와 함께 ‘베이비 길들이기’(1938, 하워드 혹스 감독) 같은 고전영화를 보며 배우를 꿈꾸게 된” 그는 5년 넘게 오디션을 보러 다니고 있다. 재즈 피아니스트 세바스찬의 상황도 크게 다르지 않다. “서로 충돌했다 다시 타협하는” 재즈 음악을 사랑하고, “그런 재즈가 죽어 가고 있다”며 아쉬워한다. 그는 재즈 클럽을 차려, 음악적 명맥을 잇고 싶어하지만 현실은 녹록지 않다. 꿈의 도시 LA에서 이런 두 남녀가 만난 것은 그다지 특별한 일도 아닐 터. 몇 번의 우연한 마주침은 호감으로 발전한다. 세바스찬과 미아는 금세 영감을 주고받으며 서로의 미래를 응원하는 연인이 된다. 차젤레 감독은 “꿈과 열망의 힘으로 살아가고, 이 때문에 함께하기도 또 헤어지기도 하는 몽상가들에 대해 이야기하고 싶었다”고 말했다.

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사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마

‘예술가의 꿈’이란 주제는 차젤레 감독의 장편 전작이자 출세작인 ‘위플래쉬’와 같은 맥락에 있다. 최고의 드러머가 되려는 열망에 사로잡힌 학생 앤드류(마일스 텔러)와 그의 가능성을 폭압적 방식으로 끌어올리는 교수 플렛처(J K 시몬스). 예술을 향한 두 인물의 거침없는 욕망은 극단적이고 파괴적이지만 한편으로 놀라운 성취를 이뤄 내기도 한다. 차젤레 감독은 이를 귀에 꽂히는 강렬한 드럼 소리와 스크린을 뚫고 나올 듯한 긴장미 넘치는 영상으로 표현했다. “두 영화 모두 나의 사적인 경험과 관련 있다. 삶과 예술의 균형, 현실과 꿈의 균형을 어떻게 맞출 것인가. 특히 나와 예술의 관계 그리고 나와 타인의 관계에서 어떤 방식으로 균형을 유지할 것인가. 이것은 언제나 내가 스스로에게 던지는 큰 질문이었다.” 참고로, 차젤레 감독은 고등학교 재학 시절 재즈 드러머가 되고자 부단히 노력한 바 있다. 음악적 재능의 부족함을 깨달은 그는 이후 하버드대학교 영상학부에 입학했다.
 
고전 뮤지컬영화를 향한 아름다운 헌사
“‘라라랜드’를 두 번 보고 나오며 이 영화에 두 손 들었다. 대공황 시기 프레드 아스테어(1899~1987, 미국 영화와 브로드웨이 뮤지컬에서 활약한 배우 겸 안무가)가 나온 ‘뮤지컬영화’의 전통을 되살리려는 부단한 노력이 엿보인다.” ‘뉴욕 타임스’ 마노라 다르기스 평론가의 평이다. 이처럼 ‘라라랜드’는 1950~1960년대 고전 뮤지컬영화를 향한 오마주로 가득 찬 영화다. 모든 컨텐트가 빠르게 소비되고 순식간에 흘러가는 디지털 시대에서 “고전의 매력을 현대적으로 번안하겠다”는 차젤레 감독의 의지는 장면마다 번득인다. ‘라라랜드’가 제73회 베니스국제영화제 개막작으로 선정됐을 뿐 아니라, 제41회 토론토국제영화제 관객상을 받으며 관객의 환호는 물론이고 평단의 호평까지 거머쥔 이유다. “2시간 동안 마법처럼 반짝이는 밤하늘로 데려간다”(영국, 텔레그래프) 등 외신의 잇단 칭찬은, 영화 매체 고유의 아름다움을 담아낸 작품에 보내는 우아한 찬사다. “내가 사랑했던 옛날의 뮤지컬영화와 같되, 그보다 현대적으로 만들고 싶었다. 전통적 영화 제작 방식으로 지금 시대 이야기를 어떻게 풀어 가면 좋을지 고민했다. 색감·세트·의상 등 모든 표현 요소를 어떤 느낌으로 사용할 것인지가 관건이었다.” 차젤레 감독의 말이다.
사진=판씨네마

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가장 눈길을 끄는 것은 색감. 미아가 입은 노란색 드레스를 비롯해, 강렬하되 조화롭게 배치된 원색 소품들이 눈을 즐겁게 한다. 차젤레 감독은 ‘사랑은 비를 타고’ 등 고전영화에서 반한 색감을 재현하기 위해 테크니컬러(Technicolor)를 가져왔다. 이는 1922년 테크니컬러 모션 픽처가 발명한 색채 영화 시스템으로, 컬러 톤이 선명하고 풍부한 것이 특징이다. 과거 뮤지컬영화를 두고 ‘테크니컬러를 위한 장르’라고 할 만큼 1940~1950년대에 각광받았으나, 디지털영화 출현 이후에는 널리 쓰이고 있지 않다. ‘라라랜드’는 촬영 역시 고전 방식으로 이뤄졌다. “웅장하고 호화로운 고전 할리우드 뮤지컬처럼 보이도록 시네마스코프(Cinema-Scope·1953년 이십세기폭스가 특허를 획득한 촬영 기법, 가로 폭이 넓어 더 많은 풍광을 담게 됐으며 이후 2.66:1, 2.55:1, 2.35:1로 바뀌어 왔다)로 찍어야 했다”는 것이 차젤레 감독의 말이다. 현재 시네마스코프는 대부분 2.35:1 화면비를 일컫는다. 하지만 “그보다 더 오래된 영화처럼 보이길” 바란 그는 실제 1950년대에 많이 쓰인 2.55:1을 고수했다. 그러기 위해 ‘라라랜드’는 35㎜ 필름과 아나모픽 렌즈(Anamorphic Lens·넓은 화각을 압축적으로 담는 렌즈)로 찍었다. 더 놀라운 미학적 도전은, 필름 카메라를 사용해 숏이 분할되지 않는 ‘원 숏 원 테이크’ 촬영을 진행한 점이다. 첫 장면, 꽉 막힌 고속도로 위에서 펼쳐지는 화려한 군무를 약 5분간 롱테이크로 담아낸다. 끊기지 않는 음악처럼 유려하게 움직인 카메라워크와 안무는 완전히 하나가 되어 탄성을 자아낸다. “촬영에 대한 차젤레 감독의 아이디어는, 일반적 영화 상식을 초월하는 것이었다. 함께 작업하며 그 점에 크게 매료됐다.” ‘아메리칸 허슬’(2013) ‘조이’(2015)로 데이비드 O 러셀 감독과 호흡을 맞춘 라이너스 산드그렌 촬영감독의 소감이다. 고전과 현대를 동시에 품으려는 야심을 구현하기란 쉽지 않았다. “10분마다 필름을 다시 장착해야 하는 카메라를 사용했다. 그러느라 8일 동안 촬영하며 필름 100통을 쓰기도 했다”는 것이 제작진의 말이다.
사진=판씨네마

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영화 매체를 향한 차젤레 감독의 애정은 이야기에도 드러난다. 두 주인공의 첫 데이트 장소는 ‘이유없는 반항’(1955, 니콜라스 레이 감독)을 상영 중인 낡은 리알토 극장. 미아는 “극장은 냄새나고 더러워서 홈시어터를 설치했다”는 남자친구 그렉(핀 위트록)과의 식사를 포기하고, “고전영화를 보러 가자”는 세바스찬에게 달려간다. 꿈결처럼 흐르는 영화 앞에서 서로의 마음을 확인하고 달콤한 감정을 만끽하는 두 사람. ‘라라랜드’는 사랑이 시작되고 무르익는 일련의 과정을 환상적 연출로 그려 낸다. 공중에서 춤추는 그림자 등의 설정이 그러하다. 마치 우리 인생의 찬란한 순간이 영화 속 한 장면과 같다는 듯. 그뿐 아니다. 사랑이 어그러지는 순간마저 아름다운 단편영화처럼 표현해 끝내 마음 깊은 곳을 먹먹하게 만든다. ‘라라랜드’는 꿈꾸고 사랑하는 청춘의 시간이 얼마나 아름다운지 다시금 헤아리게 하는 영화다.

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사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마사진=판씨네마
 
춤과 노래는 또 다른 주인공
‘라라랜드’의 빼놓을 수 없는 성취는 음악이다. 극의 내용을 압축적으로 담아낸 가사부터 장면 분위기에 딱 맞아떨어지는 장르 선택까지. ‘차젤레 감독이 영화만큼 사랑하는 게 있다면, 그건 음악이 아닐까’ 하는 생각이 들 정도다. “이야기·노래·춤이 유기적으로 맞물리길 바랐다”는 차젤레 감독의 말처럼, 음악이 흐르는 모든 장면은 각기 다른 매력을 지녔으되 극의 전체 흐름과 매끄럽게 어울린다. 영화 속 음악을 총지휘한 이는 저스틴 허위츠. 차젤레 감독의 전작 ‘위플래시’와 단편 ‘가이 앤 매들린 온 어 파크 벤치’(2009)를 작업한 작곡가이자 대학 시절을 함께 보낸 오랜 친구다. 둘은 시나리오 집필과 작곡 작업을 동시에 진행했다. ‘라라랜드’에서 중심적으로 사용한 장르는 재즈. 극 중 세바스찬이 연주하는 독창적 주법의 재즈 피아노부터 그가 합류하게 되는 그룹 ‘메신저스’의 퓨전 재즈까지, 다양한 스타일의 재즈 선율이 영화를 채운다. 라이언 고슬링은 촬영 전 수개월 동안 피아노 연습에 매진해 연주 장면을 직접 소화했다고.
사진=판씨네마

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음악에 꼭 들어맞는 춤 역시 시각적 황홀함을 선사한다. 안무가 맨디 무어는 “탭댄스·왈츠를 비롯해 다양한 군무 동작을 카메라 움직임에 맞춰 고안하는 데 주력했다”고 말했다. 대규모 군무로 꾸민 오프닝신을 위해 출연자 수십 명이 석 달 동안 연습하기도 했다. 넋 놓고 바라보게 되는 모든 장면에서 차젤레 감독과 제작진의 대담하고 순수한 집념이 엿보인다. 고전 뮤지컬영화를 스크린에 재현해 낸 ‘라라랜드’가 소중하게 느껴지는 이유도, ‘21세기 영화사에 길이 남을 영화가 될 것’이라 예견하는 이유도, 바로 그 예술적 집념에 있다.


김나현 기자 respiro@joongang.co.kr 사진=판씨네마 
 
 
 
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